[Artikel] Das Vorher und Nachher von Soundtracks in Videospielen

Es besteht kein Zweifel daran Videospiel-Soundtracks sind ein Abschnitt von größte Bedeutung, in der Lage, das Spielerlebnis zu verbessern. Heutzutage leben wir vielleicht in einem goldenes Zeitalter Was diesen Abschnitt betrifft, in dem sich die Soundtracks befinden vergleichbar mit denen in Filmen oder Sängern bekannt, und selbst im letzten Jahrzehnt konnten wir zum ersten Mal a Grammy-Nominierung eines Videospiel-Soundtracks, insbesondere des von „Reise«. Einige Soundtracks sind zu einem geworden charakteristisches Siegel des Franchises, das sie vertreten, wie es der Fall ist Halo mit jenen Gesängen, die den gregorianischen Gesängen ähneln und bei denen wir allein durch das Hören ihrer ersten Töne in der Lage sind, die betreffende Sage zu identifizieren. Bei anderen Gelegenheiten konzentriert sich der Soundtrack mehr darauf sanfte Umgebungsgeräusche, nicht so ausgeprägt wie im selben Spiel, die darauf abzielen, das Spielerlebnis zu begleiten und nur die wichtigsten Momente hervorzuheben; Also rein Die Legende von Zelda: Breath of the Wild die Geräusche von Einstellung, Natur oder finden ein Tempel werden zu Elementen, die dem Spiel als Ganzes Charakter verleihen und eine ruhigeres und friedlicheres Erlebnis.

Obwohl die ersten Melodien noch aus der Arcade-Ära stammen Space Invaders, bei Heimvideospielen ist es erst mit der Ankunft der ATARI 2600 als wir Geräusche hören konnten und Soundtrack-Versuche in gewisser Weise sehr primitiv das wir von zu Hause aus genießen konnten. Obwohl es wirklich erst geschah Generation des NES und des Sega Master Systems dass diese Soundtracks nahm Gestalt und Bedeutung an in der Welt der Videospiele. Der Grund dafür ist, dass zu dieser Generation a gehörte Mikroprozessor Dies ermöglichte das Hinzufügen von Musik zu Spielen, die bisher nur Sounds abspielen konnten Musik war eine der Komponenten, die den meisten Speicher in den Kassetten benötigte und deshalb war es notwendig, einen großen Teil dieses Raums zu opfern, um sie einbeziehen zu können. Wir alle haben das im Kopf mythischer Klang von Pacman und das war seitdem das, was man in Videospielen bisher als Musik bezeichnete nur die Version in den Spielhallen enthielt die Anfangsmelodie, während wir in den Home-Versionen nur Pacman zuhören konnten, während er die bekannten kleinen Bälle sammelte. Das berühmte Intro der Sega Megadrive-Spiele, an das wir uns alle erinnern, war tatsächlich eine Komponente, die einen großen Teil des Speichers dieser Kassetten beanspruchte; Jedoch Dies markierte einen Unterschied zwischen Sega Megadrive und Super Nintendo, denn bis dato gab es in der Welt der Videospielkonsolen noch nichts Vergleichbares. Nintendo hat es immer verstanden, die Soundtracks oder Musik, die sie in ihre Videospiele einbauten, als ein Hauptelement zu schätzen, das es bis heute geschafft hat, in der Populärkultur zu bestehen. Der größte Vertreter dieser Idee ist möglicherweise der Musik des Legendären Tetris, pero no es el único referente: Super Mario, Die Legende von Zelda (ambos compuestos por Koji Kondo), Castlevania, etc. cuentan con una música especialmente diseñada para meterse en nuestras cabezas, para aprenderse rápido y ser repetidas constantemente aún muchos años después.

Es en la generación de la Mega Drive y Super Nintendo cuando el elemento musical se convierte en una parte tan principal del videojuego como la propia jugabilidad. Bandas sonoras como Donkey Kong Country, Soleil entweder Chrono-Trigger marcaron un verdadero soudtrack dentro de este mundo.

Llegados a este punto merece una mención especial el clásico videojuego conocido por todos, The Legend of Zelda: Ocarina of Time, pues este hacía que el jugador interactuase con el juego a través de la música, haciendo que tocar la Ocarina conllevase cambios importantes dentro del desarrollo del juego, como pasar del día a la noche o transportarte a otros lugares. Es en este título donde se intentan hacer los primeros pinitos a la hora de introducir cantos con voces en los videojuegos, resultando en una melodía espectacular capaz de ponerte los pelos de punta al entrar en el templo del tiempo.

Aunque previamente ya encontramos intentos de emular música orquestal en los juegos de aventuras y RPG (y decimos intento ya que esta música se producía digitalmente, como por ejemplo la saga de letzte Fantasie) las primeras bandas sonoras orquestales en videojuegos se remontan a la época del CD, cuando por primera vez podíamos disfrutar de los juego en disco, los cuales tenían mucha más capacidad de almacenamiento y permitía incluir voces o cantos, como en la última batalla contra Sefiro en el Final Fantasy VII. Esto supuso una revolución y marcó un antes y un después en el desarrollo de bandas sonoras que permitieran acompañar al jugador durante su experiencia. Algunas curiosidades de esta época las podemos encontrar en la primera Xbox, la cual permitía omitir por completo los sonidos o bandas sonoras de algunos videojuegos, especialmente del género carreras o deportes, para sustituirlos por un CD de música cualquiera, de manera que podíamos estar jugando al Bedürfnis nach Geschwindigkeit mientras escuchábamos lo último de Michael Jackson.

Pero la música en el mundo de los videojuegos no ha estado exenta de controversia: desde la mítica melodía de Pokemon en el pueblo Lavanda con sus leyendas urbanas sobre suicidios, hasta la música del Okarina der Zeit eliminada por contener cantos religiosos de origen musulmán en el Templo del Fuego. Son muchos años de historia de música en los videojuegos y por tanto, muchas historias que contar al respecto. Sin embargo, parte de esta controversia y la creación de estas leyendas urbanas en parte es debido al éxito cada vez más creciente que tiene el mundo de los videojuegos, siendo en la actualidad no solo un nicho de mercado laboral que mueve millones de euros al año, sino también un apartado más de la cultura popular que resurgió en los años 80 para quedarse, y en la actualidad lo podemos comprobar mejor que en ningún otro momento de la historia. Mientras que el siglo pasado los videojuegos eran un mundo minoritario, que la gente en general asociaba más a un público infantil, hoy en día incluso encontramos representación de los videojuegos en otros campos tan populares como el cine, la música o el teatro. A nivel personal debo mencionar aquí un espectáculo creado por el Circo del Sol con la increíble banda sonora del Child of Ligth, un ejemplo de cómo los videojuegos han traspasado fronteras y se coronan en la actualidad como uno de los principales mercados de entretenimiento para nuestra sociedad.

Para finalizar este artículo cabe resaltar, en primer lugar, la importancia que tienen las bandas sonoras para hacer que un juego pase de ser bueno o muy bueno a ser excelente, o incluso pasar a la historia. En segundo lugar, parece que la industria se ha dado cuenta de lo vital de este apartado en los videojuegos, así vemos como es habitual encontrar, no solo en las ediciones coleccionistas, sino también en las estándar la inclusión de la banda sonora como extra, y que las consolas actuales cuentan con un microprocesador destinado únicamente a reproducir las bandas sonoras de manera fiel y con una calidad que hace unas décadas era impensable. Para finalizar, las bandas sonoras son capaces de transportarnos por sí solas a otros mundos, experiencias y recuerdos, tienen la capacidad de hacer que demos marcha atrás en el tiempo y revivamos ese momento en el que jugamos por primera vez a ese juego que tanto nos marcó.

Debemos darle la importancia y el valor que realmente tienen, pues es un elemento vital a la hora de considerar los videojuegos como un arte por sí mismos y los jugadores lo sabemos bien.

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