[HorrorScience] Backrooms: der A24-Film, der aus einer Internet-Creepypasta ein Horrorphänomen machte

Es kommt nur selten vor, dass ein aus einem Internetforum aufgenommenes Bild zu einem der erfolgreichsten Horrorfilme des Jahres wird, aber genau das ist bei „Backrooms“ passiert. Was als einfaches Foto eines leeren Büros mit gelben Wänden und nassem Teppich begann, wurde hochgeladen aufein 4chan-Thread im Jahr 2019, heute handelt es sich um eine A24-Produktion mit zwei Oscar-Nominierten in der Hauptrolle und Regie führte jemand, der zum Zeitpunkt der Dreharbeiten noch keine 21 Jahre alt war. Ich bin seit geraumer Zeit ein Fan von Creepypastas und Liminal Spaces (siehe auch: meine Analyse zuTraumkernund dieHorrorScience von Exit 8), ich wollte mich unbedingt hinsetzen und sehen, wie sich das alles auf die große Leinwand übertragen lässt, also lasst uns in Teilen darauf eingehen.

Von einem 4chan-Thread zu einem YouTube-Phänomen

Für diejenigen, die sich nicht mit dem Thema beschäftigen: Backrooms wurde als rein digitale urbane Legende geboren. Die ursprüngliche Idee beschrieb einen Ort, an den man zufällig gelangen konnte, als ob die Realität einen Programmierfehler (einen „Noclip“, um den Videospiel-Slang zu verwenden) hätte, der einen in ein endloses Labyrinth verlassener Büroräume katapultierte, die von endlos summenden Leuchtstoffröhren erhellt wurden. Keine expliziten Monster am Anfang: Die Angst lag im Gefühl der Leere und des Gefangenseins an einem Ort, der etwas Alltäglichem zu ähnlich zu sein scheint.

Die Person, die dieser Idee eine audiovisuelle Form verlieh, war Kane Parsons, ein Junge aus Kalifornien, der zu dieser Zeit in Blender erstellte Animationen auf seinen Kane Pixels-Kanal hochlud. Im Januar 2022 veröffentlichte er einen Kurzfilm im Found-Footage-Format mit dem Titel „The Backrooms (Found Footage)“, und die Reaktion war sofort: Millionen von Aufrufen und eine Legion von Followern, die nach weiteren Folgen fragten. A24, das Studio hinter Titeln wie Hereditary und Midsommar, bemerkte dieses Phänomen und bot Parsons schließlich an, bei seiner eigenen Verfilmung Regie zu führen, was ihn zum jüngsten Regisseur in der Geschichte des Studios machte.

Der Ausgangspunkt: ein Leben, das bereits auseinanderfiel

Der Film beginnt auf eine ziemlich clevere Art und Weise, mit einer direkten Anspielung auf die Mythologie, die Creepypasta-Fans bereits kannten: ein wiederhergestelltes Video aus dem Jahr 1990, in dem eine Gruppe von Forschern des fiktiven Async Research Institute das von einem gewissen Naren Warne aufgezeichnete Material überprüft. Dieser Forscher wurde während einer Expedition in diesen extradimensionalen Raum von seiner Gruppe getrennt und schließlich von einer Präsenz verfolgt, die sich kaum zwischen den gelben Korridoren einschleicht. Dieser Prolog, gefilmt mit der wackeligen Ästhetik einer VHS-Kamera, wirkt fast wie ein Einführungsbrief in die Regeln des Universums: Niemand erklärt einem hier etwas, und was man sieht, ist immer etwas weniger als das, was man sehen müsste, um sich sicher zu fühlen.

Erst danach verlagert sich die Geschichte in die Gegenwart und konzentriert sich auf Clark (Chiwetel Ejiofor), einen Architekten, dem es nicht gelang, Karriere zu machen, und der schließlich Besitzer eines heruntergekommenen Möbelgeschäfts wurde, dessen thematische Ausrede der Piraterie sogar im Namen des Ladens enthalten war. Clark erlebt eine umstrittene Trennung von seiner Frau, die wir nie auf der Leinwand sehen, deren Schatten aber in jeder Erwähnung spürbar ist, und verlässt sich zunehmend auf Alkohol, um die Nächte, die er in seinem eigenen Geschäft verbringt, zu überstehen. Um das alles zu verarbeiten, geht sie regelmäßig zu Dr. Mary Kline (Renate Reinsve), einer Therapeutin, die offenbar alles unter Kontrolle hat, aber ihre eigene ungelöste Geschichte mit sich herumträgt: eine Mutter mit Platzangst, die sie für einen Großteil ihrer Kindheit eingesperrt hielt und schließlich in einer Anstalt untergebracht wurde, und die um den Abriss des Gebäudes trauert, in dem sie aufgewachsen ist und von dem nur noch ein Stück Zement mit den Spuren ihrer Kindheitshände übrig ist.

Interessant ist, dass der Film sich Zeit lässt, bevor er jemanden in das Labyrinth schickt. Es gibt ganze Szenen, die den Alltag des Möbelhauses zeigen, einem lächerlichen Fernsehwerbespot, den Clark als sein eigenes Piratenmaskottchen verfilmt, und den Therapiesitzungen, in denen Mary erfolglos versucht, Clark dazu zu bringen, die sich wiederholenden Muster zu durchbrechen, die sie als „Schleifen“ aus der Kindheit bezeichnet. Dieser gesamte Anfangsabschnitt baut Charaktere mit ihrem eigenen Gewicht auf, was in einem Film, der sich als einfacher Vorwand hätte begnügen können, um gelbe Flure zu zeigen, sehr geschätzt wird.

Wenn die Realität zu scheitern beginnt

Die Pause kommt auf die häuslichste Art und Weise, die möglich ist. Als Clark eines Nachts im Zelt schläft, bemerkt er, dass die Lichter ohne ersichtlichen Grund flackern und der Fernseher von selbst verzerrt ist. Als er den Sicherungskasten überprüft, entdeckt er einen Riss in der Wand, der ein Leuchten ausstrahlt, das dort nicht sein sollte. Wenn man sie überquert, gelangt man auf die andere Seite: in einen Raum mit identischen Räumen, niedrigen Decken und Korridoren, die nirgendwohin führen. Dort findet er Überreste von Naren, dem Ermittler aus dem Prolog, und schafft es, zurück in den Laden zu fliehen, als etwas, das nie vollständig gezeigt wird, ihn zu verfolgen beginnt.

Als Clark versucht, dies Mary zu erzählen, interpretiert sie es als ein weiteres Symptom seines emotionalen Verfalls, eine Möglichkeit, ihren eigenen Zusammenbruch nach der Scheidung zu rechtfertigen. Auf der Suche nach Beweisen überredet Clark seine Angestellte Kat (Lukita Maxwell) und ihren Freund Bobby (Finn Bennett), ihn mit einer Kamera zu begleiten, um zu dokumentieren, was er gefunden hat. In diesem Abschnitt gönnt sich der Film seine spannendsten Szenen: Bobby betritt einen Korridor mit unnatürlicher Neigung und wird schließlich von etwas gezogen, das im Schatten kaum zu erkennen ist, während Clark und Kat ihm nachlaufen und getrennt in einem Bereich des Labyrinths landen, den keiner der drei zuvor erkundet hat. Die Handkamera, das Umgebungsgeräusch der Neonlichter und das ständige Gefühl, nur einen Bruchteil dessen zu sehen, was wirklich passiert, sorgen dafür, dass sich diese Minuten wirklich unangenehm anfühlen, im besten Sinne für einen Film dieses Genres.

Im Hintergrund, eingestreut in die gesamte Geschichte, erscheint die Figur von Phil (Mark Duplass, bekannt aus der Filmsaga).Kriechen), ein Async-Mitarbeiter, der einen Großteil dieser Ereignisse durch Überwachungskameras beobachtet, die an verschiedenen Stellen im Raum installiert sind. Durch ihn beginnt der Film anzudeuten, dass dieses Unternehmen zuvor MRT-Geräte herstellte und aus nie vollständig geklärten Gründen schließlich in die Hinterzimmer gelangte, bis es zu seinem Hauptforschungsbereich wurde. Es ist ein Detail, das direkt mit der Mythologie zusammenhängt, die Parsons seit seinen YouTube-Videos aufgebaut hat, und das diejenigen, die diese Serie verfolgt haben, sofort erkennen werden.

Mary geht auf die andere Seite

Als Clark nicht wieder in seinem Büro auftaucht, beschließt Mary, die Sache auf eigene Faust zu untersuchen, und findet schließlich denselben Gang, den er betreten hatte. Von da an beginnt der Film, die persönlichere und introspektivere Seite der Backrooms zu zeigen: Die Räume, durch die Mary geht, sind nicht generisch, sondern von ihren eigenen Erinnerungen und Traumata geprägt, als ob der Ort Fragmente seiner Vergangenheit unvollkommen rekonstruieren würde. Sie sieht wieder, deformiert und leicht falsch, das Gebäude, in dem sie als Mädchen lebte, die Wände, die mit Zeitungen bedeckt waren, mit denen ihre Mutter die Fenster abdeckte, und Situationen, die sie einst als Schutz empfand und die sich nun mit Abstand als eine frühe Form der Gefangenschaft lesen lassen.

In diesem Abschnitt macht der Film sein wahres Interesse deutlicher: Es geht nicht so sehr darum, zu erklären, was die Hinterzimmer sind, sondern sie als eine Art verzerrten Spiegel der Gedanken derer zu nutzen, die sie passieren. Mary begegnet seltsamen, stillen Versionen von Menschen und Objekten, die wie schlecht gemachte Kopien der Realität wirken, fast so, als hätte jemand versucht, einen vertrauten Ort anhand einer Beschreibung aus zweiter Hand nachzubilden. Der Film bestätigt nie vollständig, ob dies übernatürlich ist, ein wissenschaftliches Phänomen, das nicht einmal Async selbst verstehen kann, oder eine Manifestation des Geistes jeder Figur, und diese Mehrdeutigkeit wird bewusst bis zu den letzten Abschnitten beibehalten, auf die wir hier lieber nicht näher eingehen.

Was ich sagen kann, ohne etwas zu verraten, ist, dass der Höhepunkt Clark, der nach so langer Zeit im Labyrinth psychisch bereits ziemlich angeschlagen ist, mit Mary zusammenbringt, die dorthin kam, um ihn zu retten, aber am Ende viel konkreteren Bedrohungen ausgesetzt ist, als sie erwartet hatte. Die Lösung, die durch die ständige Präsenz von Async als beobachtender, aber selten eingreifender Kraft gestützt wird, lässt die Tür für zukünftige Fortsetzungen recht offen, was Parsons selbst bestätigte, dass dies von Anfang an Teil des Plans war.

Meine Eindrücke

Was mir an Backrooms am besten gefallen hat, ist, dass es nicht versucht, alles zu erklären. Wenn man etwas adaptiert, das aus der kollektiven Fantasie Tausender Internetnutzer entstanden ist, ist die Versuchung groß, ihm eine klassische Skriptstruktur mit klaren Antworten geben zu wollen. Parsons wählt das Gegenteil: Er basiert den gesamten Film auf dem Gefühl der Fremdheit, auf dieser Traumlogik, bei der man einen Ort erkennt, aber gleichzeitig weiß, dass etwas nicht passt. Diese Entscheidung wird im Produktionsdesign deutlich, das auf einem realen Set von fast 30.000 Quadratmetern aufgebaut wurde, in dem man sich nach Aussage mehrerer Crewmitglieder leicht verlaufen konnte, selbst wenn man wach war und das Drehbuch in der Hand hatte.

Die Bindung zwischen Clark und Mary verleiht ihm auch ein emotionales Gewicht, das ich in einem Film, der auf einer Creepypasta basiert, nicht erwartet hätte. Es handelt sich nicht nur um „zwei Menschen, die in einem Labyrinth gefangen sind“, sondern um zwei Menschen, die ihre eigenen Traumata in sich tragen und am Ende irgendwie in der Leere der Hinterzimmer als Spiegel ihrer persönlichen Leere blicken. Ejiofor und Reinsve halten die Balance zwischen dem physischen Terror des Ortes und der intimsten Dramatik der Charaktere recht gut aufrecht.

Als Kritiker stimme ich mit einem Teil der Fachpresse darin überein, dass der Film zu sehr auf Mysterium setzt und offene Fragen offen lässt, was denjenigen entgegenwirken kann, die eine energischere Lösung suchen. Dennoch scheint es mir als ein Stück atmosphärischen Horrors und als Übung zur Weltbildung, die rein aus dem Internet hervorgegangen ist, eine recht bemerkenswerte Leistung zu sein, insbesondere wenn man bedenkt, dass hinter der Kamera jemand stand, der noch vor ein paar Jahren dieselben Flure mit einer selbstgebauten Kamera in seinem Einfamilienhaus aufnahm.

Kuriositäten

• Das Konzept der Backrooms entstand aus einem einzigen Foto, das 2019 veröffentlicht wurde, begleitet von einem Text, der davor warnte, „die Realität versehentlich zu verlassen“ und in einem Labyrinth gelber Räume gefangen zu sein.
• Kane Parsons war gerade 16 Jahre alt, als er begann, mit der Idee zu experimentieren, die später zu seiner Webserie werden sollte, und gerade 20, als der Film veröffentlicht wurde.
• Bevor er sich Backrooms widmete, war Parsons für seine von Attack on Titan inspirierten Videos bekannt geworden, in denen er Szenen aus dem Manga mit Animationen in Blender nachbildete.
• Der Regisseur gestand, dass „Portal“, die Valve-Saga, einen direkten Einfluss auf die Atmosphäre des Films hatte, und sagte sogar, dass er immer noch davon träume, im Aperture Enrichment Center zu sein.
• Angesichts der Gerüchte, Parsons habe bei dem Film aufgrund seines jungen Alters nicht wirklich Regie geführt, bestritt sein eigener Schauspieler Mark Duplass dies öffentlich und stellte sicher, dass der junge Regisseur die vollständige Kontrolle über die Dreharbeiten hatte.
• Das für die Dreharbeiten gebaute Set nahm etwa 30.000 Quadratmeter ein und laut der Crew war es so labyrinthisch, dass man sich auch außerhalb der Kamera leicht darin verirren konnte.
• Backrooms wurde zur weltweit besten Premiere in der Geschichte von A24 und übertraf sogar die etablierteren Produktionen des Studios.