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Hay secuelas que se limitan a más de lo mismo: mismos personajes, mismo sistema de combate, mismo mundo, solo que un poco más grande. Y luego están las que tiran el manual por la ventana y deciden empezar desde cero, aunque eso implique enfadar a los puristas de la primera hora. Echo Generation 2 es de esas.
El estudio canadiense Cococucumber, responsable del original de 2021 que mezclaba estética voxel con combates por turnos al más puro estilo Stranger Things, ha soltado el ancla de su zona de confort y ha navegado hacia aguas mucho más turbulentas. El resultado es un RPG de construcción de mazos que llegó el 27 de mayo de 2026 a PC, Xbox Series X/S y Game Pass, y que me ha dejado con esa sensación agridulce de haber jugado algo brillante que, por momentos, se come sus propias patas.
Un Puzle de Perspectivas que Te Atrapa (y Te Descoloca)
Lo primero que hay que entender es que Echo Generation 2 no es una continuación directa de la historia del primer juego. Es una precuela centrada en Jack, el padre desaparecido que en el original era poco más que un eco fantasmal. Ahora, Jack es el pegamento que une una estructura narrativa fragmentada en seis personajes jugables y cinco «capítulos» que funcionan casi como minijuegos independientes.
Empezamos controlando a Sister M, una niña con poderes psíquicos que huye de un laboratorio secreto en 1987. Luego saltamos a Annata Z, una madre zombie que busca a su hijo perdido en un mundo monocromático y opresivo. Después, a Noliva y Strix, un dúo de cazarecompensas en una ciudad cyberpunk saturada de neón. Más tarde, a Bulder, una criatura extraterrestre cuya lealtad es, como mínimo, discutible. Y finalmente, todo converge en Jack.
Esta estructura de «antología espacial» es, sin duda, la jugada más arriesgada del juego. Y también la que genera opiniones más divididas. Por un lado, funciona de maravilla como mecanismo narrativo. Cada personaje tiene su propio tono (terror gótico, noir, cyberpunk, comedia absurda), su propio set de cartas y su propia forma de entender el mundo. Pasar de controlar a una niña asustada en un laboratorio a una cazarecompensas cínica en una urbe futurista es un cambio brusco, pero es justo esa incomodidad la que mantiene el interés.
El problema es que la fragmentación viene con una factura. Cada capítulo dura entre 1,5 y 2 horas, y justo cuando empiezas a entender las mecánicas de un personaje y a sentirte cómodo con su estilo, el juego te arranca de ahí y te lanza a otro escenario completamente distinto. Es como cambiar de canal cada hora: estimulante, sí, pero también agotador. Y cuando todos los hilos se juntan en el capítulo final, la sensación es que las piezas encajan, pero que alguna que otra se ha perdido por el camino.
Lo que sí logra la narrativa es algo que el primer juego apenas rozaba: un tono más adulto y oscuro. Las historias de estos personajes no son aventuras infantiles. Annata Z busca a su hijo mientras su cuerpo se descompone. Sister M descubre que los experimentos del laboratorio no solo le dieron poderes, sino también un trauma imborrable. Hay horror corporal, hay pérdida, hay preguntas incómodas sobre qué significa ser humano. Y eso le da una densidad emocional que el original, con toda su simpatía, no alcanzaba.
De los Timings a las Cartas: Un Cambio que Empieza por Reinventarse
Si en Echo Generation el combate era por turnos clásico con mini-juegos de precisión, aquí han tirado todo eso a la basura y han construido un sistema de deckbuilding desde cero. Y funciona. No perfectamente, pero sí con una solidez que sorprende.
Tu equipo está formado por tres personajes, pero en lugar de elegir ataques de un menú, cada personaje tiene su propio mazo de cartas, personalizable y actualizable. En cada turno, robas un número limitado de cartas, tienes un número limitado de acciones, y decides qué usar y en qué orden. El sistema de puntos de acción y gestión de recursos recuerda a Slay the Spire, pero con un ritmo más rápido y una capa de estrategia posicional.
Y aquí entra el sistema estrella: el «Break System» o sistema de ruptura. Los enemigos muestran símbolos sobre sus cabezas; ciertas cartas tienen esos mismos símbolos. Si juegas las cartas en el orden correcto, rompes las defensas del enemigo, abres una brecha temporal y multiplicas el daño de tus ataques posteriores. Es un concepto sencillo de entender, pero cuando empiezas a dominarlo, las batallas se convierten en un puzle táctico donde no basta con la carta más poderosa: hay que pensar en secuencias, en combos, en sinergias entre personajes.
Para darle profundidad al asunto, el juego incluye más de 150 cartas coleccionables repartidas entre los seis personajes. Algunas son ofensivas, otras defensivas, otras de curación, otras de estado. Cada personaje tiene además su propio árbol de habilidades, que puedes reiniciar en cualquier momento fuera del combate sin penalización, lo que invita a la experimentación constante.
Todo esto suena genial, y lo es, pero hay un «pero»: la falta de tutoriales. El juego asume que sabes lo que es un mazo, un estado de efecto o una sinergia de cartas desde el minuto uno. Y si no lo sabes, te va a costar. En los primeros compases, especialmente con Sister M, la curva de aprendizaje es tan empinada que más de un jugador novel abandonará antes de llegar al segundo personaje. Hay opciones, hay personalización, hay profundidad, pero el juego te las lanza a la cara sin explicarte bien cómo funcionan. Es un diseño que premia a los veteranos del género y castiga a los recién llegados.
El Problema del Último Tercio (y Por Qué Duele)
Llegados a este punto, toca hablar de, como se dice, «el elefante en la habitación»: el tercer acto. Los primeros cinco capítulos, centrados en cada personaje por separado, están muy bien construidos. Hay variedad, hay ritmo, hay momentos de tensión genuina. Pero cuando todas las historias convergen, el juego parece perder el norte. El último tramo se convierte en una sucesión de combates casi ininterrumpidos, sin espacio para la exploración o el diálogo, con una repetición de encuentros que roza lo tedioso.
Es una lástima, porque el sistema de combate da para mucho, pero la falta de variedad en los enemigos del final y la sensación de «apresuramiento» narrativo dejan un regusto amargo. No arruina la experiencia, pero sí la empaña. Es como si Cococucumber hubiera invertido todo su tiempo y cariño en construir los personajes y sus mundos, y luego, al llegar al final, se hubiera encontrado con la fecha de lanzamiento encima y hubiera dicho «bueno, lo rematamos como podamos». Y se nota.
Voxel, Synthwave y una Banda Sonora que Hipnotiza
Visualmente, Echo Generation 2 es muy bueno. Cococucumber ha sabido llevar su estilo voxel a entornos mucho más variados y ambiciosos que los del primer juego. Las ciudades cyberpunk con sus neones sobre saturados, los mundos industriales con sus sombras opresivas, los laboratorios con sus pasillos fríos y asépticos… todo está construido con un mimo al detalle que invita a detenerse a mirar. No es realista, ni pretende serlo. Es una estética que mezcla nostalgia de los píxeles de los 90 con una iluminación moderna que le da un cariz casi cinematográfico. Y funciona.
La banda sonora, compuesta por Pusher, está inspirada en el synthwave ochentero y va cambiando de tono según el personaje y el escenario. Los sintetizadores cálidos de los niveles de Sister M contrastan con los ritmos industriales y agresivos de los de Annata Z. Y en los momentos de mayor tensión, la música se retira y solo queda el silencio y el sonido de las cartas rompiendo defensas. Es un trabajo sutil, pero efectivo.
¿Una Secuela Mejor o Peor que el Original?
Responder a esa pregunta es complicado. En términos de ambición y reinvención, Echo Generation 2 es superior al original. El salto de un combate por turnos genérico a un sistema de deckbuilding con personalidad es una bocanada de aire fresco. La estructura narrativa fragmentada es arriesgada y, en sus mejores momentos, emocionante. Y la estética y la música están a otro nivel.
Pero en términos de coherencia y pulido, la balanza se inclina del lado del primero. El original era más pequeño, más modesto, pero también más redondo. Echo Generation 2 es más grande, más complejo, más ambicioso… y más irregular. El final apresurado, la falta de tutoriales y esa sensación de que ciertos personajes se quedan en el tintero son lastres que pesan.
Conclusión
Dicho esto, y con todas sus imperfecciones, Echo Generation 2 es un juego que recomiendo sin dudar a quien busque algo diferente. No es para jugadores casuales que quieran pasar el rato sin pensar. Es para quienes disfrutan construyendo mazos, buscando sinergias, probando combinaciones y aprendiendo de sus derrotas. Es un juego que no te trata con condescendencia, que no te explica todo, que te deja fracasar y espera que te levantes solo.
Si vienes del primer juego, prepárate para un choque frontal. No es más de lo mismo. Es otra cosa. Y aunque esa «otra cosa» tenga imperfecciones, tiene también una personalidad que cuesta encontrar en muchos de los RPG actuales. Y que esté disponible el primer día en Game Pass hace que probarlo sea una decisión de riesgo cero si es que eres suscriptor.
Así que sí: métele unas horas, supera la curva inicial, y cuando llegues al final —con su repetición de combates y todo—, quizá sientas lo mismo que yo: que has jugado algo que, con sus fallos, merece la pena.
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