[コンボ分析] 火垂るの墓

最初のスタジオジブリ映画とされる作品を分析した結果、 風の谷のナウシカ, そして日本のスタジオによる初の本格的な映画、 天空の城ラピュタ、争う3番目の番です。私たちはについて話します 蛍の墓、共同創設者が完全に監督した最初の映画 高畑勲さん。

1988年に同時発売 となりのトトロ 宮崎監督によると、この映画は以上のことをしませんでした。 混乱を増大させる 若手アニメーションスタジオの動向を中心に。これまで私たちは、深くて大人のプロットを持つ漫画の、濃密かつ見事な映画化を見てきました（ナウシカ)、子供向けアクション長編映画 (ラピュタ）、優しさに満ちた愛らしい物語（トトロ）そして最後に、第二次世界大戦の残酷さを反映した過激なアダルト映画です。 蛍の墓.

それを考えると 天空の城ラピュタ 公開当時は商業的成功とみなされるほどの興行収入はなかったが、高畑監督の危険な映画が大ヒットしたのも不思議ではない。 批評ではなく、興行収入という点で大失敗 その反応は非常に好意的であり、私は以下で行う分析で完全に同意します。

同名の原作小説を基にしたこの物語は、1945 年の神戸市への爆撃で直接被害を受けた 2 人の子供の目を通して、私たちを第二次世界大戦中の日本に連れて行きます。14 歳の清太は、5 歳の妹節子の世話をするために早熟にならなければならず、あらゆる種類の困難を乗り越えなければなりません。戦争の影響とそれが人々にどのような影響を与えるかを、胸が張り裂けるほど近い視点から描いたサバイバル ストーリー。

この脚本の素晴らしさを正確に言い表す言葉はほとんど見つかりません。このような戦争的なテーマを人間的な観点から扱うことは、誇張ではありません。 それは魔法です。そして、高畑勲は宮崎とは異なり、スタジオの創設者仲間が示したファンタジーや抽象主義とは程遠い、完全に伝統的な物語を私たちに残してくれることが多い。

プロットの展開にはまったく非難すべき点はなく、その大部分を私たちが負っているのです。 野坂昭如、その小説 自伝的な含みを持った 彼が清太を通して自分の個人的な物語を語るこの映画は、戦争の惨禍を印象的にスクリーンに映し出すこの映画の基礎となっています。羅針盤の各フレームの生々しさとそれに伴うリアリズムは、「百聞は一見に如かず」という言葉を如実に表しており、長編アニメ映画であることの二重のメリットと、実写映画のような徹底的なリアリズムを提供できないというハンディキャップを備えています。 同等以上の方法で心に到達することができます.

彼 税関 高畑の彼の姿は際立っており、彼のように私たちをその時代に完全に連れて行くのは他の誰にも難しいだろうと思わせる。コストゥムブリズモはその言葉の通り、挑戦する流れです。 習慣を通じて社会を反映する、日本人監督が登場人物の行動から戦争中の都市や村の表現の細心の注意に至るまで、あらゆる面で見事に達成した反映。

キャラクターの会話は際立っており、このような極限の状況で明らかになるすべての感情を優れた感性で伝えることができます。時には、その残虐さゆえに聞きたくない会話も、 リアリティと信頼性による圧倒的な残虐性、グロテスクにつながる過激主義とは程遠い。シーンを盛り上げる背景にある人々の会話さえも細やかに配慮されており、単なる調味料ではなく、映画全体を通して重みのある要素となっている。

しかし、この映画は苦しみや悲しみのシーンが延々と続くわけではありません。おそらくこのプロットで最も催眠術的なのは、 感情のジェットコースター それが映像を構成します。この映画では、困難な瞬間とより良い生活の幸せな思い出が交互に描かれており、その憂鬱さによって戦争や貧困の場面で登場人物たちとつながり、感情移入することができます。

フラットな文字はありません このセルロイドでは、キャストはさまざまなバリエーションの戦争社会を反映するだけでなく、有益で代表的な役割を果たしている登場人物で構成されており、主人公の 2 人の子供の物語を強化する役割を果たしています。このような極限の状況で現れるそれぞれの感情はキャラクターによって表現され、その会話、身振り、表情は次のことを示しています。 それらは単純な追加物ではありません しかし、それぞれの言葉は抑圧された人々の複雑な社会パラダイムを表現するために研究されており、このようにして彼らに素晴らしい個性と強さを与えています。これらすべては、プロットを構成する塊に一貫性を与えるためであり、これにより、主人公が経験する状況がより大きな感情的重みを獲得し、 無関心になることのない戦争の文脈上の枠組み.

同時に、それは相対的なものを強調します inexistencia de buenos y malos, me explico, si bien en una película japonesa sobre la Segunda Guerra Mundial, desde el punto de vista nipón los malos son los americanos, las tropas norteamericanas no aparecen personificadas en ningún momento de la película más allá de los aviones, cuyas bombas incendiarias resultan ser un impactante y fuerte recurso de dramatización, lejos de pretender ser una crítica al imperialismo americano como en muchas otras películas de esta misma temática.

La cinta huye de trasfondos geopolíticos para centrarse en los protagonistas reales de la historia: los ciudadanos que viven en primera persona las consecuencias de la guerra por circunstancias ajenas a sus personas. Así pues, intenta evitar las escenas de belicismo puro y duro para llegar a la esencia del problema, esto es, los efectos que la contienda provoca en la personalidad, el comportamiento y las costumbres de la población japonesa.

Cuando digo que no existen buenos ni malos es porque no hay un personaje que actúe deliberadamente con maldad, sino que debido a la situación de frustración, violencia y austeridad, se suceden escenas de egoísmo, intolerancia o falta de empatía en las relaciones interpersonales con los protagonistas y su situación, sin embargo, todas esas manifestaciones negativas, analizadas desde el punto de vista de los personajes que las ejecutan, implican otro tipo de sentimientos bien distintos como el instinto de supervivencia o el amor fraternal. También encontramos actitudes reprochables por parte de Seita, cuyas acciones se podrían ver justificadas por el amor incondicional hacia su hermana, amor que el propio Nosaka ha calificado de exagerado, llegando a reconocer que su hermana supuso una enorme carga para él en la vida real.

En conjunción con este argumento magistralmente tratado, se encuentra una animación sublime que se torna perfecta. Tanto la dirección artística, como la fotografía y el montaje se sincronizan a la perfección para dar lugar a fotogramas llenos de arte y de mensaje. En cierto modo, puede resultar relativamente fácil realizar algo agradable a la vista, sin embargo, lo difícil es lograr una animación vistosa que transmita con sus imágenes tanto sentimientos como sensaciones, ya sean positivas o negativas que te mantengan pegado a la pantalla como hipnotizado.

蛍の墓 consigue esto y mucho más. Podríamos decir, que para que una película de estas características sea perfecta hay tres pilares que deben converger al unísono; por supuesto hablo de sonido, animación y guión. En este punto cabe mencionar la total y absoluta complicidad entre la animación y el guión cuyas calidades, analizadas por separado dan de sobra para un sobresaliente, pero juntas se complementan de una manera casi imposible de superar.

Ambos pilares beben el uno del otro de forma cíclica, los diálogos que antes mencionaba, si ya de por sí son buenos, se ven acrecentados por el gesticular de los personajes, la pose y el movimiento, totalmente detallista hasta en la más mínima insignificancia. Hablábamos antes del costumbrismo y de cómo servía para relatar con precisión la sociedad japonesa de la Segunda Guerra Mundial mundial, pues bien, no puedo evitar recordar la escena de una mujer preparando bolas de arroz al son de las palabras “Vosotros volveréis a comer sopa, imagínate que la gente que trabaja comiera lo mismo que los que están ociosos todo el tiempo”, mientras se come gulosa los pocos granos de arroz que se le adhieren a la mano.

Dicha escena, contextualizada en un tiempo en el que el arroz era una moneda preciada y los que no trabajaban o estudiaban no merecían comer buena comida, resulta un cuadro del que se desglosan multitud de detalles sobre la sociedad japonesa, desde el preciso retrato de un hogar japonés de los años 40 hasta el modo de hacer las labores cotidianas a través de fotogramas que se suceden cambiantes y distintos de forma continua. Y es que el filme intenta fuertemente no mantener escenarios ni personajes estáticos, salvo recurso para mantener el foco de atención sobre un determinado elemento.

Lo más cautivador de la animación se encuentra en las cuidadas transiciones entre las escenas gracias a un montaje que es uno de los mejores , sino el mejor, de todas las películas del estudio. En compás con una fotografía elegida de forma muy acertada, donde predominan apagados tonos tierra que otorgan ese toque dramático y antiguo que se rompe en los momentos de mayor impacto emocional, donde se intercalan colores cálidos sobre un violento fondo negro en contraste con la paleta de colores claros y llamativos que usan para las escenas del pasado feliz anterior a la guerra.

En referencia a los tres pilares anteriormente mencionados, solo queda analizar el sonido, cuya banda sonora a cargo de Michio Mamiya es el cierre de seguridad que acompaña al guión y a la animación a modo de guinda del pastel. Se puede afirmar sin temor que Mamiya es a Takahata como Joe Hisaishi es a Miyazaki, no en vano el compositor japonés ha trabajado con el director de este filme en múltiples ocasiones en el pasado, siendo uno de sus compañeros más recurrentes. Cosa que no extraña nada al escuchar las canciones que ambientan la película, prestando especial atención al tema principal de la cinta cuyas notas son un placer para los oídos.

No obstante, los grandes olvidados o infravalorados a la hora de hablar de un filme son los efectos sonoros, que suelen pasar desapercibidos pero que bien usados y bien trabajados pueden otorgarle gran fuerza y presencia a una película. En este caso, dichos efectos siguen la estela del resto de elementos analizados, esto es, son tratados con gran mimo y detallismo hasta el punto de crear una especie de Pavlov en nuestros sentidos.

Si bien antes comentábamos que las tropas americanas solo se veían representadas por los aviones que arrojaban bombas incendiarias como recurso de dramatización, esa angustia constante que supone este recurso durante todo el filme, debe toda su fuerza al conseguido sonido de las sirenas de los aeroplanos y al ruido de las bombas tanto al caer como al explosionar. Así pues, bastó solo con una escena de belicismo puro en los primeros minutos para que durante el resto del metraje, con tan solo oír el amenazante ruido de las sirenas la angustia venga sola pese a que no se muestra nada explicito en pantalla. Pura sugestión bien lograda por el equipo de sonido en colaboración con el resto de departamentos que han logrado una sincronía perfecta entre ellos.

結論は、 La tumba de la luciérnagas es un golpe directo y seco en el corazón del espectador, una confluencia de fuerzas que pocas veces se ven tan bien complementadas. Primer filme de Takahata como director en el estudio y primera obra de arte maestra en mayúsculas, la prueba irrefutable de que se puede hacer cine de animación adulto huyendo de los clichés, no solo del anime sino del género bélico de la Segunda Guerra Mundial. Posiblemente la película más antibélica que mis ojos han presenciado y que me hace pensar que si esta película no te hace odiar todo lo relacionado con este tipo de contiendas, nada lo hará.

Calificación: 10

A veces pasa que, entre la inmensa cantidad de películas que uno ve a lo largo del tiempo, hay un muy reducido número de ellas que se quedan grabadas en la memoria de forma especial. Son esas películas que, cuando hablas con alguien sobre cine, se las recomiendas encarecidamente si no las ha visto ya. Sin duda, para mí una de esas películas especiales y esenciales que todo el mundo debería ver は 蛍の墓.

Este largometraje que nos llega de manos del legendario Studio Ghibli nos muestra una historia muy humana, tanto para lo bueno como para lo malo. Vemos con toda crudeza los horrores de la guerra, la desesperación, la frialdad ante la muerte de los demás y contrastando totalmente con esto, vemos la sobrecogedora historia de dos hermanos que sólo pretenden sobrevivir, cuidando el uno del otro.

蛍の墓 es, para mí, una de las pocas películas que creo que todo el mundo debería ver. Y tanto si sois de lágrima fácil como si no, tened unos pañuelos al lado por si acaso.

Calificación: 10

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De la filmografía de Ghibli, las películas de Takahata son las que más me han llegado al alma. Y de esas, 蛍の墓 は la que me golpeó la fibra sensible con más fuerza. La animación es preciosa, como acostumbra Ghibli en sus películas, destacándose siempre sus fondos. Pero lo que resalta en esta película son los dos niños protagonistas, y lo indefensos que están ante un mundo de adultos que se matan en la guerra, que se vuelven indiferentes al dolor ajeno y muestran lo peor de sí. El amor que se profesan estos dos hermanos se transmite directo a nosotros como pocas veces se ha logrado en una película de este estilo, y el final nos muestra qué tan insensibles pueden ser las personas ante la desgracia de otro ser humano, representando esto en un objeto que está tan lleno de significado para el niño protagonista como para nosotros como espectadores.

Este filme golpea fuerte, lo aviso, pero es uno de esos golpes que duelen y que te sacan lágrimas de tristeza a la vez que sientes que has visto algo realmente hermoso. 蛍の墓 se te quedará marcada para siempre en tu cabeza, y es una de las pocas películas que se llevan un 10 más grande que una casa, con toda seguridad de mi parte.

Calificación: 10