[ComboAnalysis] Le Tombeau des Lucioles

Après avoir analysé ce qui est considéré comme le premier film du Studio Ghibli, Nausicaä de la Vallée du Vent, et le premier vrai film du studio japonais, Laputa : Le château dans le ciel, c'est au tour du troisième en lice ; nous parlons de La tombe des lucioles, premier film entièrement réalisé par le co-fondateur Isao Takahata.

Sorti en 1988 à la même époque Mon voisin Totoro de Miyazaki, ce film n'a fait que accroître la confusion autour de la tendance du jeune studio d'animation. Jusqu'à présent on avait vu une adaptation dense mais brillante d'un manga avec une intrigue profonde et adulte (Nausicaä), un long métrage d'action pour enfants (Laputa), une adorable histoire pleine de tendresse (totoro) et enfin un film radicalement adulte qui reflète la cruauté de la Seconde Guerre mondiale, c'est-à-dire La tombe des lucioles.

Considérant que Laputa : Le château dans le ciel n'a pas été suffisamment rentable pour être considéré comme un succès commercial à sa sortie, il n'est pas surprenant que le film risqué de Takahata ait été un succès commercial. fiasco en termes de box-office, pas en termes de critiques dont l'accueil a été très positif, ce à quoi je souscris pleinement dans l'analyse que j'entreprends ci-dessous.

Basée sur le roman original du même titre, l'histoire nous emmène au Japon pendant la Seconde Guerre mondiale à travers les yeux de deux enfants qui souffrent directement des bombardements sur la ville de Kobe en 1945. Seita, 14 ans, devra mûrir prématurément pour s'occuper de sa sœur Setsuko, 5 ans, en surmontant toutes sortes de difficultés. Une histoire de survie qui reflète les conséquences de la guerre et la façon dont elle affecte la population d'un point de vue déchirant.

Je peux trouver quelques mots qui décrivent avec précision à quel point le scénario est merveilleux. Je n'exagère pas lorsque je dis que le traitement d'un sujet aussi guerrier que celui-ci d'un point de vue aussi humain c'est magique. Et Isao Takahata, contrairement à Miyazaki, nous laisse généralement des histoires tout à fait traditionnelles, loin du fantastique ou de l'abstraction dont fait preuve son collègue fondateur du studio.

Il n'y a absolument rien de répréhensible dans le déroulement de l'intrigue, dont on doit une grande partie à Akiyuki Nosaka, dont le roman aux connotations autobiographiques dans lequel il raconte son histoire personnelle à travers Seita, constitue la base de ce film qui adapte de manière impressionnante les désastres de la guerre au grand écran. La crudité de chaque image en comparaison avec le réalisme qui l'accompagne rend vraie l'expression « une image vaut mille mots », avec un double mérite car il s'agit d'un long métrage d'animation, avec le handicap de ne pas pouvoir offrir le réalisme radical d'un film d'action réelle, parvient à atteindre le cœur d’une manière égale ou supérieure.

Il douane de Takahata se démarque, laissant penser qu'il serait difficile pour quelqu'un d'autre de nous transporter complètement à cette époque comme il l'a fait. Comme le mot lui-même le dit, le costumbrismo est un courant qui tente refléter la société à travers les coutumes, une réflexion que le réalisateur japonais réalise magistralement sous tous ses aspects, du comportement des personnages jusqu'aux détails minutieux de la représentation des villes et villages en guerre.

Se démarquent les dialogues des personnages, qui, avec une grande sensibilité, parviennent à transmettre tous les sentiments qui se manifestent dans des situations aussi extrêmes. Des dialogues que même parfois on aurait préféré ne pas entendre en raison de la cruauté qu'ils présentent, un cruauté écrasante en raison de son réalisme et de sa crédibilité, loin des radicalismes qui mènent au grotesque. Même les conversations de fond entre les citoyens qui pimentent les scènes sont soignées dans les moindres détails, cessant d'être un simple condiment pour devenir un élément de poids tout au long du film.

Cependant, ce n’est pas comme si le film était une suite interminable de scènes de souffrance et de tristesse. La chose la plus hypnotique dans l'intrigue est peut-être le montagnes russes d'émotions qui constitue la séquence. Le film alterne des moments de dureté avec des souvenirs heureux d'une vie meilleure dont la mélancolie vous fait vous connecter avec les personnages et sympathiser avec eux dans les scènes de guerre et de pauvreté.

Il n'y a pas de caractères plats Dans ce celluloïd, le casting est constitué de personnages dont le rôle informatif et représentatif, en plus de refléter la société de guerre dans ses multiples variantes, sert à valoriser l'histoire des deux enfants protagonistes. Chaque sentiment qui émerge dans des situations aussi extrêmes est représenté par un personnage dont les dialogues, les gestes et les expressions démontrent que Ce ne sont pas de simples extras mais chaque mot est étudié pour exprimer les paradigmes sociaux complexes d'une population opprimée, leur donnant ainsi une grande personnalité et une grande force. Tout cela pour donner de la consistance à la masse qui constitue l'intrigue, ce qui aide les circonstances vécues par les protagonistes à acquérir un plus grand poids émotionnel, créant ainsi un cadre contextuel de la guerre qui ne vous laissera guère indifférent.

En même temps, il met en évidence le relatif inexistencia de buenos y malos, me explico, si bien en una película japonesa sobre la Segunda Guerra Mundial, desde el punto de vista nipón los malos son los americanos, las tropas norteamericanas no aparecen personificadas en ningún momento de la película más allá de los aviones, cuyas bombas incendiarias resultan ser un impactante y fuerte recurso de dramatización, lejos de pretender ser una crítica al imperialismo americano como en muchas otras películas de esta misma temática.

La cinta huye de trasfondos geopolíticos para centrarse en los protagonistas reales de la historia: los ciudadanos que viven en primera persona las consecuencias de la guerra por circunstancias ajenas a sus personas. Así pues, intenta evitar las escenas de belicismo puro y duro para llegar a la esencia del problema, esto es, los efectos que la contienda provoca en la personalidad, el comportamiento y las costumbres de la población japonesa.

Cuando digo que no existen buenos ni malos es porque no hay un personaje que actúe deliberadamente con maldad, sino que debido a la situación de frustración, violencia y austeridad, se suceden escenas de egoísmo, intolerancia o falta de empatía en las relaciones interpersonales con los protagonistas y su situación, sin embargo, todas esas manifestaciones negativas, analizadas desde el punto de vista de los personajes que las ejecutan, implican otro tipo de sentimientos bien distintos como el instinto de supervivencia o el amor fraternal. También encontramos actitudes reprochables por parte de Seita, cuyas acciones se podrían ver justificadas por el amor incondicional hacia su hermana, amor que el propio Nosaka ha calificado de exagerado, llegando a reconocer que su hermana supuso una enorme carga para él en la vida real.

En conjunción con este argumento magistralmente tratado, se encuentra una animación sublime que se torna perfecta. Tanto la dirección artística, como la fotografía y el montaje se sincronizan a la perfección para dar lugar a fotogramas llenos de arte y de mensaje. En cierto modo, puede resultar relativamente fácil realizar algo agradable a la vista, sin embargo, lo difícil es lograr una animación vistosa que transmita con sus imágenes tanto sentimientos como sensaciones, ya sean positivas o negativas que te mantengan pegado a la pantalla como hipnotizado.

La tombe des lucioles consigue esto y mucho más. Podríamos decir, que para que una película de estas características sea perfecta hay tres pilares que deben converger al unísono; por supuesto hablo de sonido, animación y guión. En este punto cabe mencionar la total y absoluta complicidad entre la animación y el guión cuyas calidades, analizadas por separado dan de sobra para un sobresaliente, pero juntas se complementan de una manera casi imposible de superar.

Ambos pilares beben el uno del otro de forma cíclica, los diálogos que antes mencionaba, si ya de por sí son buenos, se ven acrecentados por el gesticular de los personajes, la pose y el movimiento, totalmente detallista hasta en la más mínima insignificancia. Hablábamos antes del costumbrismo y de cómo servía para relatar con precisión la sociedad japonesa de la Segunda Guerra Mundial mundial, pues bien, no puedo evitar recordar la escena de una mujer preparando bolas de arroz al son de las palabras “Vosotros volveréis a comer sopa, imagínate que la gente que trabaja comiera lo mismo que los que están ociosos todo el tiempo”, mientras se come gulosa los pocos granos de arroz que se le adhieren a la mano.

Dicha escena, contextualizada en un tiempo en el que el arroz era una moneda preciada y los que no trabajaban o estudiaban no merecían comer buena comida, resulta un cuadro del que se desglosan multitud de detalles sobre la sociedad japonesa, desde el preciso retrato de un hogar japonés de los años 40 hasta el modo de hacer las labores cotidianas a través de fotogramas que se suceden cambiantes y distintos de forma continua. Y es que el filme intenta fuertemente no mantener escenarios ni personajes estáticos, salvo recurso para mantener el foco de atención sobre un determinado elemento.

Lo más cautivador de la animación se encuentra en las cuidadas transiciones entre las escenas gracias a un montaje que es uno de los mejores , sino el mejor, de todas las películas del estudio. En compás con una fotografía elegida de forma muy acertada, donde predominan apagados tonos tierra que otorgan ese toque dramático y antiguo que se rompe en los momentos de mayor impacto emocional, donde se intercalan colores cálidos sobre un violento fondo negro en contraste con la paleta de colores claros y llamativos que usan para las escenas del pasado feliz anterior a la guerra.

En referencia a los tres pilares anteriormente mencionados, solo queda analizar el sonido, cuya banda sonora a cargo de Michio Mamiya es el cierre de seguridad que acompaña al guión y a la animación a modo de guinda del pastel. Se puede afirmar sin temor que Mamiya es a Takahata como Joe Hisaishi es a Miyazaki, no en vano el compositor japonés ha trabajado con el director de este filme en múltiples ocasiones en el pasado, siendo uno de sus compañeros más recurrentes. Cosa que no extraña nada al escuchar las canciones que ambientan la película, prestando especial atención al tema principal de la cinta cuyas notas son un placer para los oídos.

No obstante, los grandes olvidados o infravalorados a la hora de hablar de un filme son los efectos sonoros, que suelen pasar desapercibidos pero que bien usados y bien trabajados pueden otorgarle gran fuerza y presencia a una película. En este caso, dichos efectos siguen la estela del resto de elementos analizados, esto es, son tratados con gran mimo y detallismo hasta el punto de crear una especie de Pavlov en nuestros sentidos.

Si bien antes comentábamos que las tropas americanas solo se veían representadas por los aviones que arrojaban bombas incendiarias como recurso de dramatización, esa angustia constante que supone este recurso durante todo el filme, debe toda su fuerza al conseguido sonido de las sirenas de los aeroplanos y al ruido de las bombas tanto al caer como al explosionar. Así pues, bastó solo con una escena de belicismo puro en los primeros minutos para que durante el resto del metraje, con tan solo oír el amenazante ruido de las sirenas la angustia venga sola pese a que no se muestra nada explicito en pantalla. Pura sugestión bien lograda por el equipo de sonido en colaboración con el resto de departamentos que han logrado una sincronía perfecta entre ellos.

En conclusion, La tumba de la luciérnagas es un golpe directo y seco en el corazón del espectador, una confluencia de fuerzas que pocas veces se ven tan bien complementadas. Primer filme de Takahata como director en el estudio y primera obra de arte maestra en mayúsculas, la prueba irrefutable de que se puede hacer cine de animación adulto huyendo de los clichés, no solo del anime sino del género bélico de la Segunda Guerra Mundial. Posiblemente la película más antibélica que mis ojos han presenciado y que me hace pensar que si esta película no te hace odiar todo lo relacionado con este tipo de contiendas, nada lo hará.

Calificación: 10

A veces pasa que, entre la inmensa cantidad de películas que uno ve a lo largo del tiempo, hay un muy reducido número de ellas que se quedan grabadas en la memoria de forma especial. Son esas películas que, cuando hablas con alguien sobre cine, se las recomiendas encarecidamente si no las ha visto ya. Sin duda, para mí una de esas películas especiales y esenciales que todo el mundo debería ver est La tombe des lucioles.

Este largometraje que nos llega de manos del legendario Studio Ghibli nos muestra una historia muy humana, tanto para lo bueno como para lo malo. Vemos con toda crudeza los horrores de la guerra, la desesperación, la frialdad ante la muerte de los demás y contrastando totalmente con esto, vemos la sobrecogedora historia de dos hermanos que sólo pretenden sobrevivir, cuidando el uno del otro.

La tombe des lucioles es, para mí, una de las pocas películas que creo que todo el mundo debería ver. Y tanto si sois de lágrima fácil como si no, tened unos pañuelos al lado por si acaso.

Calificación: 10

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De la filmografía de Ghibli, las películas de Takahata son las que más me han llegado al alma. Y de esas, La tombe des lucioles est la que me golpeó la fibra sensible con más fuerza. La animación es preciosa, como acostumbra Ghibli en sus películas, destacándose siempre sus fondos. Pero lo que resalta en esta película son los dos niños protagonistas, y lo indefensos que están ante un mundo de adultos que se matan en la guerra, que se vuelven indiferentes al dolor ajeno y muestran lo peor de sí. El amor que se profesan estos dos hermanos se transmite directo a nosotros como pocas veces se ha logrado en una película de este estilo, y el final nos muestra qué tan insensibles pueden ser las personas ante la desgracia de otro ser humano, representando esto en un objeto que está tan lleno de significado para el niño protagonista como para nosotros como espectadores.

Este filme golpea fuerte, lo aviso, pero es uno de esos golpes que duelen y que te sacan lágrimas de tristeza a la vez que sientes que has visto algo realmente hermoso. La tombe des lucioles se te quedará marcada para siempre en tu cabeza, y es una de las pocas películas que se llevan un 10 más grande que una casa, con toda seguridad de mi parte.

Calificación: 10