[HorrorScience] Undertone: el terror que se esconde en el sonido

Fecha de lanzamiento

13/03/2026

Dirección

Ian Tuason

Guion

Ian Tuason

Reparto

Nina Kiri, Adam DiMarco, Michèle Duquet

Hay películas que dependen completamente de lo visual para generar impacto, y hay otras que entienden que lo verdaderamente inquietante muchas veces no necesita mostrarse. Undertone pertenece claramente a este segundo grupo. Desde sus primeros minutos deja en claro que su apuesta no pasa por lo explícito, sino por lo que se sugiere, por ese espacio incómodo donde lo que se escucha no termina de coincidir con lo que debería estar ocurriendo.

La historia sigue a Evy, una podcaster que se dedica a analizar fenómenos paranormales desde una mirada que mezcla curiosidad y escepticismo. Su trabajo consiste en escuchar relatos ajenos, reconstruirlos y darles forma dentro de su programa, manteniendo siempre cierta distancia emocional que le permite no involucrarse demasiado. Sin embargo, esa distancia empieza a romperse cuando recibe una serie de grabaciones que no encajan con nada de lo que ha tratado antes.

Lo primero que llama la atención de estos audios es su naturalidad. No parecen testimonios preparados ni relatos exagerados para llamar la atención. Son fragmentos de vida cotidiana, momentos que en otro contexto podrían pasar completamente desapercibidos, pero que poco a poco comienzan a deformarse a través de pequeños detalles que no terminan de tener explicación. Y es ahí donde la película encuentra su tono: en la incomodidad de lo aparentemente normal que empieza a desviarse sin aviso.

El aislamiento como punto de partida

El momento en el que Evy comienza a trabajar con estas grabaciones coincide con su regreso a la casa de su madre, quien atraviesa una etapa terminal. Este detalle no es menor, porque define gran parte del clima que la película construye desde el inicio. La casa no se presenta como un espacio abiertamente hostil, pero sí como un entorno donde el silencio tiene un peso particular, donde cada sonido resuena más de lo que debería y donde la sensación de encierro se vuelve constante.

No hay grandes estímulos externos ni interrupciones que rompan esa dinámica. Todo se siente contenido, detenido, como si el tiempo avanzara a un ritmo distinto dentro de ese espacio. Esta decisión narrativa permite que las grabaciones ocupen un lugar central, no solo dentro de la historia, sino también dentro de la mente de la protagonista.

A medida que pasan los días, la rutina de Evy se vuelve cada vez más cerrada. Sus interacciones con el exterior son mínimas y su atención se concentra casi por completo en los audios que recibe. La casa deja de ser simplemente el lugar donde transcurre la historia y se convierte en una extensión de su estado mental, reforzando esa sensación de aislamiento progresivo.

Las grabaciones: cuando lo cotidiano empieza a fallar

El material que Evy recibe proviene de una pareja, Mike y Jessa, y en un principio no parece haber nada particularmente extraordinario en lo que registran. Sin embargo, a medida que se suceden los audios, empiezan a aparecer elementos que rompen la lógica de esas escenas aparentemente normales.

No se trata de eventos claros ni de manifestaciones evidentes. Al contrario, lo que inquieta es la ambigüedad. Son sonidos que no terminan de identificarse, pausas demasiado largas, interrupciones que no tienen una causa visible. La película evita cualquier tipo de subrayado, lo que obliga a prestar atención a detalles que en otro contexto podrían pasar desapercibidos.

Esa acumulación de pequeñas anomalías es lo que va construyendo la tensión. No hay un momento donde el horror se imponga de forma directa, sino una progresión constante donde cada nuevo audio añade una capa más de incomodidad. Y lo más interesante es que esa incomodidad no proviene de lo que se confirma, sino de lo que queda sin explicación.

Escuchar deja de ser un proceso pasivo

A medida que Evy se involucra más con el material, su forma de relacionarse con las grabaciones cambia. Lo que al principio era parte de su trabajo se convierte en una necesidad casi compulsiva. Escucha los mismos fragmentos una y otra vez, se detiene en detalles mínimos, intenta reconstruir lo que no termina de entender.

Este proceso no se presenta como una obsesión repentina, sino como algo que se instala de forma gradual. La repetición empieza a desplazar otras actividades, el descanso se vuelve irregular y su percepción comienza a alterarse de manera sutil. La película nunca establece un punto exacto donde todo cambia, pero deja claro que esa transformación está ocurriendo.

El podcast, que en un principio funcionaba como una herramienta de análisis, termina convirtiéndose en un canal que la expone constantemente a algo que no logra procesar del todo. Cuanto más intenta entender, más se involucra, y cuanto más se involucra, más difícil le resulta tomar distancia.

Dos líneas que empiezan a cruzarse

Uno de los aspectos más efectivos de la película es la forma en la que construye un paralelismo entre lo que ocurre en las grabaciones y lo que empieza a experimentar Evy. Al principio son coincidencias sutiles, pequeños detalles que podrían interpretarse como casualidades, pero con el tiempo esas similitudes se vuelven más evidentes.

La historia nunca establece una conexión directa entre ambos planos, lo que obliga a interpretar constantemente lo que se está viendo y escuchando. Esta ambigüedad evita que el relato se cierre en una única explicación y mantiene la sensación de incertidumbre como elemento central.

Evy deja de ser una simple observadora y comienza a formar parte de aquello que analiza. No de manera explícita, sino a través de una serie de cambios en su comportamiento y en su percepción que la acercan cada vez más a lo que ocurre en las grabaciones.

El cuerpo y lo inevitable

La presencia de la madre introduce una dimensión distinta dentro de la historia. Su deterioro físico representa algo concreto, inevitable, que avanza sin posibilidad de interpretación. En contraste con la ambigüedad de las grabaciones, la enfermedad funciona como un punto de referencia claro dentro de un entorno donde todo lo demás parece inestable.

En paralelo, el embarazo de Jessa añade otra capa que se relaciona con la idea de transformación. La película no desarrolla este aspecto de forma directa, pero lo utiliza como un elemento que refuerza la sensación de cambio y vulnerabilidad.

Ambos elementos se presentan sin necesidad de conexión explícita, pero generan una tensión interesante al situar lo físico y lo inexplicable dentro de un mismo espacio narrativo.

El sonido como amenaza

A medida que avanza la historia, las grabaciones dejan de sentirse como simples registros y comienzan a adquirir una presencia más difícil de definir. No hay una confirmación de que exista algo más allá de lo que se escucha, pero la forma en la que los audios se comportan sugiere que no son completamente pasivos.

Hay momentos en los que parecen responder, como si la escucha misma tuviera algún tipo de efecto sobre ellos. Esta idea nunca se desarrolla de forma explícita, pero se mantiene presente como una posibilidad que resulta difícil de ignorar.

El resultado es un tipo de terror que no puede enfrentarse directamente, porque no tiene una forma clara. El sonido no se puede anticipar ni contener, y esa falta de control es lo que lo convierte en una amenaza constante.

Cuando la percepción deja de ser confiable

Con el paso del tiempo, la película comienza a desdibujar los límites entre lo que pertenece a las grabaciones y lo que forma parte de la realidad de Evy. No hay una transición clara, sino una serie de pequeños desplazamientos que afectan la forma en la que se perciben los eventos.

Los sonidos parecen trasladarse de un plano a otro, las situaciones se repiten con ligeras variaciones y la sensación de continuidad se vuelve cada vez más difusa. Este recurso no solo refuerza la tensión, sino que también alinea la experiencia del espectador con la del personaje.

En este punto, la película abandona cualquier intención de ofrecer respuestas claras y se enfoca en sostener esa incertidumbre hasta el final.

Un terror que se instala y no se va

Undertone no busca el impacto inmediato ni la resolución clara. Su propuesta se apoya en la acumulación de detalles, en la construcción de una atmósfera que se vuelve cada vez más densa y en una idea muy concreta: lo que no se entiende puede ser mucho más perturbador que cualquier explicación.

El uso del sonido como eje central no es solo una decisión estilística, sino la base sobre la cual se construye toda la experiencia. La película entiende que el miedo no siempre necesita manifestarse de forma visible, y aprovecha esa idea para desarrollar un relato que se mantiene inquietante incluso cuando no ocurre nada explícito.

No es una propuesta para todos, especialmente para quienes buscan una narrativa más directa, pero funciona muy bien dentro de su enfoque. Es de esas películas que no terminan cuando aparecen los créditos, porque lo que plantean sigue dando vueltas, como un ruido de fondo que no termina de desaparecer.

Curiosidades sobre Undertone

• El diseño sonoro fue tratado como el eje principal de la película, con varias escenas construidas casi exclusivamente a partir del audio.
• Algunas capas de sonido fueron diseñadas para ser apenas perceptibles, generando la duda constante de si realmente se escuchó algo.
• La estructura narrativa toma inspiración directa del formato de podcasts paranormales y material “encontrado”.
• La actuación de Nina Kiri se apoya en reacciones mínimas, reforzando la idea de que el horror ocurre más en la percepción que en la acción.
• La película fue pensada para disfrutarse con auriculares, potenciando la experiencia inmersiva.
• El concepto central gira en torno a cómo la repetición de un sonido puede alterar la percepción de quien lo escucha.